Welten-Nacht an Holzpaneelen
Ein musikalisch großartiger und szenisch verschenkter „Tristan“ zum Ende der Ära Bachler
Wagners Weltumnachtungsdrama Tristan und Isolde gehört, wie nur wenige andere Werke, zur künstlerischen DNA der Bayerischen Staatsoper, bzw. des Nationaltheaters, wo es am 10. Juni 1865 uraufgeführt wurde. Womit sonst also hätte die dreizehnjährige Intendanz von Nikolaus Bachler – eine ausführliche Nachbetrachtung folgt hier demnächst – und die immerhin achtjährige Ära von Kirill Petrenko ihren krönenden Abschluß finden sollen? Die letzte Einstudierung des von Publikum und Künstlern verehrten, ans Chefpult der Berliner Philharmoniker gewechselten Petrenko, auf der Bühne Münchens Opern-Traumpaar schlechthin mit ihren Titel-Rollendebüts und ein höchstrangiges Ensemble bewährter Freunde des Hauses; all das sorgte schon im Vorfeld für ultrahocherhitzte Gemüter und Erwartungen. Zumal die Corona-Regelungen nur fünf mal knapp 1000 Glücklichen den Besuch der Aufführung ermöglichten, die letzte Vorstellung, das große Finale, wurde dann immerhin noch gestreamt und nach draußen übertragen.
Und, wie ist er nun geraten, Münchens neuer Tristan? Hat er die Erwartungen erfüllt? Musikalisch hat die BSO auch an diesem Wendepunkt – der „wendende Punkt“ im Rilkeschen Sinne war Spielzeitmotto – geliefert, und zwar auf höchstem Niveau.
Das hat allen voran Kirill Petrenko mit dem schier unfassbar guten Staatsorchester. Mit seinen Dirigaten des Ring, des Tannhäuser, des Parsifal und der Meistersinger hat Petrenko in seinen Münchner Jahren die Maßstäbe in Sachen Wagner-Interpretation neu definiert, Klangmagie und höchste Sinnlichkeit mit glasklarer Transparenz und musikdramaturgischer Logik verschmolzen. Und doch fügt dieser Tristan dem noch etwas hinzu: einen geradezu naturgewaltigen inneren Fluß der Musik, die unter seinen Händen zu einem einzigen Sehnen und Schwelgen wird, zu einem lebendigen, über-stofflichen Organismus aus Farben, Betonungen, Bögen, Akzenten und vor allem Emotionen. Petrenko, und das ist der Kern seines musical approach, will nicht überwältigen, sondern hör- und fühlbar machen, aus Klang Inhalt machen und umgekehrt. Eine Synthese, die es in dieser Form derzeit kein zweites Mal zu erleben gibt. Ein Tristan-Dirigat, welches in seiner Intensität, seiner gestaltenden Intelligenz, seiner geistig-emotionalen Durchdringung und Tiefenschärfe wohl singulär ist. Wie sehr dieser Klangzauberer uns fehlen wird, läßt sich in Worten kaum beschreiben!
Die Sängerbesetzung? Die ist in diesem Repertoire und diesem Werk bekanntlich keine geringe Herausforderung, das kann durchaus auch Traum und Trauma zugleich werden. Gerade in den beiden Titelpartien sind nicht nur hohe gesangliche und gestalterische Ansprüche zu erfüllen, sondern – gerade in München – auch die Geister ruhmreicher Rollenvorgänger zu bannen. Vor allem Letzteres gelingt Jonas Kaufmann und Anja Harteros mit frappierender Leichtigkeit, indem beide ihren individuellen Zugang zu Musik und Charakteren finden und diese aus sich heraus formen und gestalten. Jonas Kaufmann verfügt über das baritonal angehauchte Timbre, das viele Aficionados in diesem Fach hören wollen, sein ausgeruht und in allen Lagen stabil klingender Tenor besitzt die notwendige Reife, aber auch kernig-virile Präsenz. Der Künstler hat sich die Riesenpartie ökonomisch klug eingeteilt, läßt sich auch in den wahnhaften Rasereien des dritten Aktes nicht zum Schreien oder Forcieren verleiten und dennoch muß man an keiner Stelle bangen. Auch wenn der eine oder andere insgeheim anderes befürchtet hatte, das war durchgehend richtig gut gesungen, farbenreich und klug differenziert im Vortrag, hochmusikalisch und elegant in der Linienführung. Natürlich ist Kaufmann kein „klassischer“ Heldentenor und wird es auch nicht mehr, manche Phrasen und Passagen hat man schon mit mehr Durchschlagskraft, größerer Klangfülle und auch mit mehr Extase gesungen gehört, aber im Rahmen seines Stimmcharakters ist dem Publikumsliebling ein stimmiges und individuelles Rollenporträt gelungen, für das er zu Recht gefeiert wurde.
Ähnliches läßt sich auch über die Isolde von Anja Harteros sagen. Von der Regie, zu diesem unerfreulichen Kapitel etwas später, leider zu einer abgehärmt und freudlos agierenden Figur degradiert, verwischt etwas die Wandlung Isoldes von der trotzig selbstbewußten Königstochter über die hingebungsvoll Liebende bis hin zur Visionärin im Schlußgesang. Der große Monolog im ersten Akt mag noch etwas den weltherausfordernden Furor, das existenzielle Wüten der gekränkten Seele vermissen lassen, wie das bei einem echten hochdramatischen Sopran klingt. Dafür setzt Harteros konsequent auf ihre genuinen künstlerischen Qualitäten, betont die lyrische Linie und die nuancierte Wort-Klang-Balance. Sie gestaltet eine introvertierte, weltschmerzlich leidende Isolde, verletzlich und charakterstark zugleich, deren Töne in der Mittellage mit einer Spur melancholisch-feinherben Raureif überzogen scheinen und die in den langen Vokalbögen des Liebesduettes und des Schlußgesanges sinnlich aufblühen. Da war er dann, der berühmte, von uns Stimmfreaks so genannte „Anja-Effekt“, das Hinzutreten einer Klangfarbe, einer Stimmung, einer Nuance, die Augenblicke zuvor noch nicht dagewesen ist… Hier wurde das Ereignis, was die Regie ihr und uns verweigert hat! Ob beide ihre Partien zukünftig in ihr Bühnenrepertoire aufnehmen werden, darüber darf spekuliert werden; wie man in Bayern so schön sagt: Schau ma moi!
Bei Okka von der Damerau stellt sich angesichts ihrer Glanzleistung eigentlich nicht die Frage, ob sie dem Weg prominenter Vorgängerinnen von der Brangäne zur Isolde folgen wird, sondern höchstens wann. Im fragilen Tristan-Kosmos verkörpert die Sängerin einen Fels in der Brandung; stark, unbeirrbar und mit geradezu greifbarer Empathie. Eher eine Schwester, bzw. Geistesverwandte Isoldes als Dienerin verbindet sie mit ihrem klangsatten und zugleich wunderbar auf Linie geführten Pracht-Mezzo Leidenschaftlichkeit und Strenge. Mit Mika Kares, einer der vielen herausragenden Entdeckungen der Bachler-Jahre, ist König Marke ungewohnt jung besetzt, auch der hünenhafte Finne gab in der Premiere sein Rollendebüt. Diese Partie war am Haus in der Vergangenheit stets in den Händen von Granden wie Frick, Ridderbusch, Moll, Salminen oder zuletzt Pape. In dieser Liga spielt Kares sicherlich (noch?) nicht mit, sein schwarztönender, vollmundiger und in der Tiefe leicht knorriger Baß ist dennoch schon weit mehr als nur ein Versprechen für die Zukunft, ein gewisser Feinschliff, auch hinsichtlich der Textbehandlung, wird sich sicherlich noch einstellen. Wolfgang Koch ist als Kurwenal von Beginn an eher Schluffen als Hooligan – im ersten Akt seltsamerweise mit Priesterkragen – und badet förmlich in seinem sämigen Mitleidsbelcanto. Wie immer der pure Klangluxus!
In den kleinen Partien machen Sean Michael Plumb (Melot), Dean Power (Hirte), Manuel Günther (junger Seemann) und Christian Rieger (Steuermann) ihre Sache gut, ebenso der Chor in der Einstudierung von Stellario Fagone mit seinen wenigen Phrasen aus dem Off.
Ratlosigkeit und Verärgerung hinterläßt dagegen die Inszenierung von Krysztof Warlikowski und seinem Team. Warlikowski, einst von Gerard Mortier persönlich entdeckt und nach Brüssel verpflichtet, gehörte gewiß zu den prägendsten und wichtigsten Regisseuren der BSO der letzten Jahre mit einem fulminanten Onegin, einer irreal-bildmächtigen Frau ohne Schatten, einem mißlungenen Versuch mit Schrekers Die Gezeichneten und schließlich einer kryptisch verrätselten Salome. Wie kann es sein, dass einem Opernregisseur seines Kalibers ausgerechnet zum Tristan so gar nichts eingefallen ist? Wagners Untertitel „Eine Handlung in drei Aufzügen“ hat er offenbar als „keine Handlung“ mißverstanden und reiht im Bühnenbild seiner Partnerin Małgorzata Szczęśniak nichtssagende Déjà-vus aneinander: die bekannten holzvertäfelten Wände, das Fischgrätparkett, die „Zauberberg“-Chaiselongue, ein Haufen kahlköpfiger Puppen, teils wirkliche Puppen, teils Puppen darstellende Menschen. Das Ambiente bewegt sich irgendwo zwischen Jagdhaus, Sanatorium und Nobelhotel und alles wird durch die Videos von Kamil Polak nochmal gedoppelt. Der stücktragende Tag-Nacht-Dualismus findet sich weder in der Lichtregie von Denise Ross noch sonstwo in der Inszenierung wieder. Warlikowskis Erklärungen bleiben ebenso unverständlich wie der optische Eindruck, Irgendwie haben wir es mit der Konfrontation diverser Bewußtseinszustände und verschobener Wahrnehmungen zu tun. Steht Tristan nun schon auf der dunklen Seite, im „Land, in dem der Sonne Licht nicht scheint“? Das würde zumindest das konsequente Berührungsverbot und die Entsinnlichung dieses großen Liebesdramas erklären… Oder sind beide bereits tot, wie die gefilmten suizidalen Phantasien suggerieren? Oder irgendwas dazwischen? Immerhin wachen sie im Film auf dem Hotelbett neben einem leeren Tablettenröhrchen auf und lächeln sich verliebt an. Das alles führt zu nichts und ins Nichts, bleibt verworrenes Psycho-Gedöns und Theaterverweigerung.
Abschließend ein kurzer Hinweis zur Zusammensetzung dieser Rezension: da der Kulturschock bei der Premiere durch ein Mißgeschick den ersten Akt versäumt hat, mußte er diesen anläßlich der Derniere online nachholen. Die Bewertung dessen steht folglich unter einem Restvorbehalt.
Gehabt Euch also wohl und hört noch was Schönes,
Euer Fabius
