Bayerische Staatsoper: “Die Gezeichneten” – 1./7.7.2017

Getrippel im Bunker

„Frau, das versteht Ihr nicht, das ist Kunst!“ Dieser Satz – für den der Autor heutzutage locker einen Zehner in die Chauvi-Kasse zu entrichten hätte – fällt im dritten Akt von Franz Schrekers Die Gezeichneten, wenn das Volk von Genua die Insel Elysium besuchen darf und dort mit einer laut Libretto überbordend sinnlichen Schöpfung aus Parks, Wasserspielen, Skulpturen und Schönheiten konfrontiert wird, die laut Libretto das Maß menschlicher Vorstellung übersteigen… In Krzysztof Warlikowskis Neuinszenierung an der BSO versteht kaum jemand irgendwas, der Chor, der aus irgendeinem undefinierbaren Grund Masken in Form von Mäuseköpfen trägt, wandelt stumm durch einen kahlen Betonbunker mit trippelnden Tänzerinnen und bekommt ein Film-Medley aus Gruselklassikern der Stummfilmzeit vorgeführt: Golem, Frankenstein, Nosferatu. Alles Monster, die geliebt werden wollen, wie der Protagonist Alviano. Schon verstanden. Worüber das Volk und der Senat so begeistert sind? Keine Ahnung, muss sich wohl irgendwie um Kunst handeln.

Bunker mit Trippel-Tanz: “Die Gezeichneten” in München (Foto: Wilfried Hösl)

Man kann wirklich nicht behaupten, dass die BSO in dieser Saison in Sachen Regie, trotz prominenter Namen, sonderlich viel Fortune gehabt hätte… Und wenn nun sogar ein Regie-Schwergewicht wie Warlikowski an den Gezeichneten so fulminant scheitert, so ist das schon mehr als nur ärgerlich; schließlich geht es immer noch um eine Rehabilitierung dieses einst so populären und von den Nazis verfemten Musikers und seiner Werke. Da sind Inszenierungen wie diese ein Bärendienst. Dazu kommt im konkreten Fall noch, dass ich, aus teilweise sehr persönlichen Gründen, eine außerordentlich enge Beziehung zu diesem Stück pflege und Schrekers so rauschhaft-erotischer und zugleich mystischer und suggestiver Musik geradezu verfallen bin. Da schmerzt ein solches Regiefiasko dann doppelt.

Dabei hätten Die Gezeichneten mit ihrem zerstörerischen Dualismus von Schönheit und Häßlichkeit, von Erotik und Gewalt am Scheitelpunkt gesellschaftlicher Transformation als Stück für Warlikowski wie gemalt sein müssen. Schließlich geht es in Schrekers Opus um Kunst, Sehnsucht, Begehren, Obsessionen, Triebe und sexuelle Gier; aber auch übersteigerte Sensibilitäten, Wahn, Psychosen und Komplexe, um Selbstverwirklichung und -zerstörung, Lebens- und Todestrieb, das Vitale, das Kranke und das Abartige. Oder wie es im Stück als Motto formuliert wird: “Die Schönheit sei Beute des Starken!” Ein in höchstem Maße dialektisch wie psychologisch angelegtes Stück über die Auflösung von Ordnungen und die Orientierungslosigkeit in einer zunehmend unüberschaubaren Welt. Viel aktueller geht’s kaum.

Davon ist den ganzen langen Abend wenig oder gar nichts zu spüren. Natürlich ist Warlikowski wieder mit seinem ganzen Team angereist, neben der Bühnen- und Kostümbildnerin Malgorzata Szczęśniak sind auch die Lichtdesignerin Felice Ross, der Video Artist Denis Guégin und der Choreograph Claude Bardouil mit von der Partie. Der Bühnenraum ähnelt sehr demjenigen zu Die Frau ohne Schatten: eine langgezogene Halle mit seitlichen Türen und Öffnungen, die zum Vordergrund hin geschlossen und optisch verkleinert werden kann, in diesem Fall nicht durch Flügeltüren, sondern durch eine verspiegelte, auch halbtransparent zu leuchtende Wand. Ansonsten begegnet man auf Schritt und Tritt den gewohnten Versatzstücken wie rein- und rausfahrenden Glaskästen, Sanatoriumsmöbeln, einem Bartresen und einem großen Konferenztisch. Im zweiten Akt verwandelt sich die Halle in ein Box Gym – Achtung Männlichkeitsrituale! – und im dritten in ein Museum. Den geheimnisvollen Sehnsuchtsort namens Elysium bekommen wir dagegen nicht zu sehen. Dafür stopft der Regisseur den Abend mit diversen Klischees, Motiven und Anspielungen aus der bildenden Kunst und dem Film voll, Maria Abramovićs Performance The artist ist present wird zitiert, ebenso Damian Hurst, Art Spiegelmans Graphic Novels und die Mäusemasken des Chores verweisen auf Kafkas Josephine die Sängerin. Um all das zu dechiffrieren bräuchte man eigentlich den ganzen Abend eine Standleitung zu Doktor Google und Professor Wikipedia… Das ist alles schön und gut und mag für Warlikowski selbst sicher Sinn machen; aber es führt an keiner Stelle wirklich ins Zentrum. Hier hat er einen Haufen Anmerkungen und Kommentare zum Stück und der Zeit inszeniert, es aber versäumt, die eigentliche Geschichte zu erzählen. Bei allseits bekannten Werken mag das funktionieren, bei einer Oper, die kaum jemand kennt, geht das gnadenlos schief.

Szene mit Testosteron-Attacke: Alastair Miles (Mitte) als Podestà im Gym (Foto: Wilfried Hösl)

Auch die drei Hauptcharaktere werden von der Regie verfehlt; so trägt Alviano zwar eine häßliche, an den Elefantenmenschen erinnernde Maske, wirkt aber unter der geschniegelten Genueser Mafia-Clique kein bißchen deplatziert und verströmt kein provozierendes Außenseiter-Flair und auch Carlotta kommt hier sehr reif und madamig rüber, die todgeweihte, innerlich ausbrennende Borderlinerin übersetzt sich trotz Sauerstoffinhalators kaum. Am heftigsten misslungen ist allerdings die Figur des Lebemanns und Herrenmenschen Tamare, der in seiner hemmungslosen Gier, seiner sexuellen Triebhaftigkeit seiner menschenverachtenden Arroganz ein Bruder Scarpias sein könnte und der hier zu einem konventionellen Operncharmeur zurechtgestutzt wird. So fehlen dem dramatischen Entwurf Fallhöhe und Glaubwürdigkeit. Aber auch die Führung des Personals offenbart ungewohnte Schwächen; immer wenn es wirklich zur Sache geht, bzw. gehen müsste, nimmt Warlikowski den Gang raus und setzt die Handelnden auf schicke Stahlrohrstühle, angetreten zum Rampensingen, Lustmord auf Designermöbel. Das reisst immer wieder klaffende Löcher in den szenischen Spannungsbogen und verschenkt die Schlüsselszenen. Definitiv zu viel des Guten ist auch eine eingeschobene Szene direkt nach der Pause, in der Alviano, im Sessel sitzend wie Graf Koks, mit Whiskyglas und Zigarre in rauchiger Diktion jenen berühmten sarkastischen Brief Schrekers verliest, in dem der Komponist sämtliche über ihn kursierenden bösartigen Urteile und Gerüchte zusammengeschrieben hat, um deren Absurdität zu entlarven… Der Text ist grandios und John Daszak macht ein Kabinettstück daraus; nur leider zieht diese Einlage den Abend noch zusätzlich in die Länge und die dadurch ausgedrückte Identifizierung Schrekers mit Alviano geht m.E. doch an der Sache vorbei.

Opernfigur, Komponist oder doch Sänger? John Daszak im Intermezzo (Foto: Wilfried Hösl)

Ein erheblich überzeugenderes Plädoyer für den Musikdramatiker Schreker gelingt Ingo Metzmacher am Pult des Staatsorchesters, der mit seinen mittlerweile 62 holden Lenzen nun endlich sein Hausdebüt am Max-Joseph-Platz feiern durfte. Nun ist Metzmacher nicht nur ein ausgewiesener Kenner und Aficionado der Musik des 20. und 21. Jahrhunderts, sondern auch ein Freund des – sagen wir mal: kontrollierten – Klangrausches. Angesichts dieser ungeheuer dicht instrumentierten und farbenreichen Musik mit ihren immensen Anforderungen an Transparenz und Emotionalität erweist sich seine Lesart als Glücksfall. Mit großem Stilgefühl findet der Dirigent die Balance zwischen flirrender Extase und schwüler Sinnlichkeit auf der einen und klarer Kante auf der anderen Seite. Das Staatsorchester präsentiert sich auch gegen Ende einer langen Saison in ausgezeichneter Form und setzt die Vorgaben vom Pult mit kultiviertem, klangsatten Spiel mustergültig um, auch das dynamische und stilistische Spektrum zwischem dauereregten Parlando und sinfonischem Schwelgen beeindruckt. Eine tolle Orchesterleistung, zumal kaum einer der Musiker jemals zuvor eine Schreker-Oper gespielt haben dürfte…

Auch die Hauptpartien sind bei Schreker stets schwer zu besetzen, schließlich verlangt der Komponist dramatische Durchschlagskraft, präzise und verständliche Artikulation und Textbehandlung sowie Stimmen von großer sinnlich-erotischer Präsenz und unverwechselbarer Persönlichkeit, im Fall des Tenors ist auch eine strahlende, ungefährdete Höhe gefragt. Im Großen und Ganzen war all das auch geboten; das Ensemble glänzte vielleicht nicht durch die ganz großen Namen, wohl aber durch Kompetenz und Homogenität auf hohem Niveau. Von den drei Protagonisten hinterließ Christopher Maltman als Tamare den stärksten Eindruck, sein markantes und doch nie kantig klingendes Material verfügt über einen betont virilen Grundton, geschmeidige Tongebung und suggestive Wortgestaltung in allen Lagen. Darstellerisch hat dieser faszinierend vielseitige Künstler bekanntlich noch mehr drauf als er hier zeigen durfte… Ähnliches gilt auch für die wie immer ausstrahlungsstarke Catherine Naglestad als Carlotta, auch wenn ihr opulenter, schön fließender Sopran für die Partie vielleicht eine Spur zu reif klingt und ich in der tieferen Lage ein wenig die Mezzofarben vermisst habe. Aber das ist, wie so oft, auf sehr hohem Niveau gejammert… John Daszak als Alviano kostete nicht nur die besagte Sprecheinlage mit beißender Ironie und gut dosiertem Pathos aus, sondern gestaltet die Partie ohne Sentimentalität und vordergründige Mitleidsheischung, mit ausgezeichneter Textdeutlichkeit und großer Eindringlichkeit. Die sehr metallisch-hell timbrierte Stimme mag nicht über das größte Farbspektrum verfügen, bildet den zerrissenen Charakter aber sinnfällig ab; dazu verfügt Daszak gerade im dritten Akt, wo für viele Kollegen stimmlich Ende der Fahnenstange ist, über beeindruckende Reserven und Höhenstrahl. Da gibt es derzeit wenig Konkurrenz.

Malsession mit Besuch: Catherine Naglestad (Carlotta) – Foto: Wilfried Hösl

Tomasz Konieczny legt die – vom Komponisten so beabsichtigte – Doppelrolle des Herzog Adorno und des Capitano di Giustizia stimmlich wie darstellerisch sehr rustikal an, ein wenig mehr an Eleganz und dafür weniger Wurstigkeit im Auftreten hätten der Interpretation nicht geschadet. Alastair Miles ist ein optisch etwas zerzauster, vokal aber würdevoller und sonorer Podestà, dessen latent karikierende Charakterzeichnung durch die Musik von der Regie leider nicht aufgenommen wurde. Als die Sechserbande der adeligen Verbrecher überzeugten Kevin Conners (Menaldo Negroni), Matthew Grills (Guidobaldo Usodimare), Sean Michael Plumb (Michelotto Cibo), Andrea Borghini (Gonsalvo Fieschi), Peter Lobert (Julian Pinelli) und Andreas Wolf (Paolo Calvi) ebenso wie Dean Power als Zuhälter und Auftragsmörder Pietro und Paula Iancic als Ginevra Scotti und der Rest der sehr langen, aus Studiosängern und Chorsolisten gebildeten Besetzungsliste.

Beim Premierenpublikum kam das Gebotene sehr mäßig an; an einen vergleichbar kurzen und matten Applaus für eine Neuinszenierung kann ich mich kaum erinnern, sogar die drei oder vier Buh-Rufe fürs Regieteam klangen mehr nach müder Routine als nach echter Empörung… Die Chancen auf weitere Schreker-Entdeckungen in der Landeshauptstadt dürften nach diesem Abend kaum gestiegen sein. Und das ist ein Jammer.

Gehabt Euch also wohl und hört was Schönes,

Euer Fabius

Bayerische Staatsoper: “La Traviata” – 29.6.2017

Wenn eine Aufführung von Günter Krämers historischer Traviata-Inszenierung an der Festspielkasse in drei Stunden ausverkauft ist und sich am Abend die Kartensucher unter Aufbietung diverser Nahkampftechniken vor der Gnadenpforte der Staatsoper drängeln, muss schon was Besonderes geboten sein… In der Tat hatte das Besetzungsbüro zum Start der – in doppelter Hinsicht – heißen Festspielphase eine Extraportion Star-Power kredenzt; zunächst den mittlerweile im Baritonfach wildernden Ex-Tenorissimo Plácido Domingo und dann auch noch Diana Damrau als Einspringerin für Dauer-Absagerin Sonya Yoncheva. Und nachdem sie Domingo zunächst ebenso laut tuschelnd wie vergeblich unter der Festgesellschaft des ersten (!) Aktes gesucht hatte, war dann irgendwann auch für die eventorientierte Fraktion im Publikum der Abend gerettet…

Ovationen für die Stars: Charles Castronovo (Alfredo), Diana Damrau (Violetta) und Plácido Domingo (Germont) – Foto: Wilfried Hösl

Diana Damrau hatte bereits 2014 in der Partie der Violetta auf der Staatsopernbühne triumphiert (siehe Archiv Juli 2014) und konnte ihre seinerzeitige Glanzleistung ohne Abstriche wiederholen, auch wenn ihr einige der Koloraturkaskaden im ersten Akt vielleicht nicht mehr ganz so mühelos leicht gelingen. Dafür sind auch diese mit Ausdruck erfüllt bis an die Grenze, der unverhohlene Hohn, den sie etwa der Phrase „in questo popoloso derserto che appellano Parigi“ untermischt und wie sie das letzte Wort förmlich ausspuckt, das gräbt sich ein und auch die vollkommen veränderte vokale Farbgebung, mit der sie die Reprise des „Gioire!“-Themas angeht ist ein Meisterstück sängerischer Nuancierung; nach dem Uneigentlichkeitsduett mit Alfredos Fern-Stimme kann sie die Selbstfeier des besinnungslosen Vergnügungstaumels nicht mehr mit derselben Verve und Selbstsicherheit singen wie zuvor. Nach der Pause wird der Abend dann endgültig zum Fest, denn in den Akten zwei und drei, wo zunehmend die innigen Töne, der Leidensausdruck und die Konfrontation mit dem Schicksal gefragt sind, schlägt Damraus Stunde als singende Tragödin allererster Ordnung.

Und dann setzt der Auftritt von Plácido Domingo als Germont senior noch einmal Energien frei, hier kam kein bürgerlicher Parvenu aus der Provinz auf die Bühne, sondern ein Grande von Spanien. Man kann über Sinn oder Unsinn seines späten Fachwechsels sicherlich geteilter Meinung sein und ein Bariton ist und wird Domingo gewiss nicht, Klangfarbe und Stimmcharakter sind nach wie vor die eines Tenors, nur dass keine eventuell kritischen Spitzentöne mehr zu bewältigen sind. Ausstrahlung und natürliche Authorität des Künstlers sind ungebrochen, eine Präsenz und Persönlichkeit wie sie in allen Epochen der Oper nur wenigen gegeben war und ist. Mit sparsamer Gestik beherrscht er das Geschehen, erstickt familiären Widerstand im Keim und bleibt dennoch Mensch. Und auch stimmlich präsentiert sich der Star in bemerkenswerter Verfassung, ausgeruht und erstaunlich frisch im Klang, souverän und stilsicher im Vortrag und das wunderbare bekannte Timbre leuchtet immer wieder auf. Ein bewegendes Gastspiel eines Ausnahmekünstlers – Gracias!

Da hatte Charles Castronovo, der eigentliche Tenor des Abends, verständlicherweise einen schweren Stand in der ohnehin eher undankbaren Partie des Alfredo. Von einem kurzen vokalen Schwächeanfall in der Cabaletta „O mio rimorso“ abgesehen, entledigte er sich der Aufgabe mit charmanter, gewinnender Erscheinung und geschmeidigem, lyrisch gehaltvollen Vortrag. Auch der Rest des Ensembles wußte zu überzeugen, irgendwie hatte man beinahe das Gefühl, dass schon Domingos Anwesenheit alle Mitwirkenden inspirierte und noch ein paar Umdrehungen mehr herauskitzelte…

Ganz sicher galt das für Chor und Orchester unter der engagierten Leitung von Andrea Battistoni. Es war nicht das erste Münchner Traviata-Dirigat des jungen Veroneser Maestro, allerdings mit Abstand sein bisher bestes, der Klang war ausgewogener, die Balance zwischen Orchester und Singstimmen überlegter, die Details besser herausgearbeitet. Auch wenn die Chöre nach wie vor etwas sehr al fresco musiziert wurden, konnte das insgesamt überzeugen und neugierig auf weitere Aufgaben machen.

Die (Fest)spiele haben begonnen, gehabt Euch also wohl und hört was Schönes,

Euer Fabius

Bayerische Staatsoper: “Rusalka” – 18.6.2017

Die Romantiker an sich hatten schon ein Faible für das „feuchte Gezücht“; nicht nur Wagner mit seinen Rhine Maidens, auch sonst schwimmen sie durch Oper, Malerei und Literatur: Undinen, Melusinen und Rusalken in Hülle und Fülle. Der Plot ist mehr oder weniger immer derselbe: ein im Wasser lebendes Geisterwesen, im Regelfall weiblich und wohlgeformt, sehnt sich nach dem Erwerb einer menschlichen Seele, nach Liebe, Leidenschaft und einer Rolle in der Welt der Menschen. Durch mehr oder weniger faulen Zauber transformiert, folgt eine tragische Liebesgeschichte zum Manne, der sie nicht versteht und ihrer bald überdrüssig wird; da diese Männer zumeist Tenöre sind, ist das kein Wunder und die Katastrophe vorprogrammiert.

So auch in Antonin Dvořáks Version. Hier kommen die Geschichte und ihre Protagonistin aus Böhmens Wald und Teich und schmeichelnd umkleidet von schönster musikalischer Hochromantik, auch und gerade unterhalb des Wasserspiegels. Doch wer nun darin ein naives Märchen sehen will, der irrt. Hier werden durchaus die Essentials verhandelt, man muss nur zuhören. Sehnsüchte, Grenzüberschreitung, Enttäuschung und Verrat, Liebe bis zum Tod und die bohrende Frage, was das denn eigentlich ist, die menschliche Seele und was den Menschen zum Menschen macht. Die Erotik des Unbekannten, Unbenennbaren natürlich nicht zu vergessen…

Die Prinzengarde war auf der Jagd… (Foto: Wilfried Hösl)

Neu ist diese Rusalka nicht, bereits 2010 hat Martin Kušej – mittlerweile Hausherr next door im Residenztheater – diese Inszenierung erarbeitet und ein unglaublich packendes, durchdachtes Stück Musiktheater geschaffen, dass auch nach sieben Jahren und zahlreichen Wiederaufnahmen nichts an Intensität und Nervenkitzel verloren hat. Kušej gehört ohnehin zu den ambitioniertesten Bildererfindern unter den heutigen Topregisseuren und besticht zusammen mit seinem Bühnenbildner Martin Zehetgruber durch Szenen von illusionsloser Lakonik und kühler Präzision. Nicht „romantisch“ im herkömmlichen Sinn, aber in jedem Moment kenntlich. Kušej rückt die Geschichte gnadenlos ins Heute, zeigt das Reich des Wassermanns als Gefängnis und Spießerhölle, der visuelle Bezug auf reale Mißbrauchsskandale aus Österreich ist unverkennbar, Inzest, Tyrannei und brutale Unterdrückung prägen das Bild, so einem Wassermann möchte man im Leben nicht begegnen und atmet fast auf, als er in Handschellen abgeführt wird. Dem gegenüber die Welt des Prinzen, auch diese liebelos und sinnentleert, eine Trachtenparty zwischen hohen grauen Wänden, einzige Zuflucht für die entwurzelte Rusalka ist ein Aquarium als domestziertes Symbol des Wasserreichs, in das sie in vollem Hochzeitskleid eintaucht; eine Szene, die nicht umsonst ikonographisch geworden ist. Die Inszenierung wimmelt von starken Einfällen und doch ist die erzählerische Linie jeden Moment gewahrt. DAS ist Opernregie, wie sie sein soll, da dürfen so einige Kollegen gerne mal vorbeischauen und lernen…!

Einmal Wasser, immer Wasser: Kristine Opolais als Rusalka (Foto: Wilfried Hösl)

Getragen wird die Inszenierung auch im siebten Jahr von einem fabelhaften und sehr gut auf einander eingespielten Ensemble, immerhin drei der fünf Hauptrollensänger und zwei der Comprimarii des Abends waren bereits in der Premiere dabei. Im Zentrum steht, damals wie heute, Kristine Opolais in der Titelpartie. Für die Künstlerin war diese Rusalka ein Meilenstein in der Karriere und sie ist bis heute aus der Inszenierung nicht wegzudenken; eine solche Kongruenz von Darstellerin und Bühnencharakter findet man selten. Opolais verkörpert die unglückliche Nixe auf dem Weg zur liebenden Frau und retour mit schonungslosem darstellerischen wie stimmlichen Einsatz, eine der eindrucksvollsten Sing-Schauspielerinnen unserer Tage. Dass ihr Vortrag unter rein vokalen Gesichtspunkten zuweilen problematisch sein kann, ist bekannt, aber auch hier zeigte sie sich an diesem Abend erfreulich konsolidiert, mit deutlich weniger Schärfen und Unebenheiten als zuletzt.

Daheim im Wasserreich: Rusalka (Kristine Opolais) und der Wassermann (Günther Groissböck) – Foto: Wilfried Hösl

Ebenfalls schon in der Premiere im Einsatz war Günther Groissböck als Wassermann, der übrigens auch im tschechischen Text so heißt. Die im ersten Akt eher bräsig und liebevoll ironisch angehauchte Musik, die Dvořák ihm komponiert hat, konterkarieren Regisseur und Interpret mit ihrer erwähnt brutalen Sichtweise und Groissböcks prachtvoll ausladender Schwarzbaß tönt in der Tat angsteinflößend durch die Tiefe. Widerspruch? Nicht wirklich. Zumal dem Sänger im großen Dialog mit Rusalka im zweiten Akt mit einem Mal auch unglaublich sanfte und ergreifende Töne gelingen und verschüttete Emotionen freiwerden. Auch Dmyrto Popov als Prinz gehört schon beinahe zum Inventar der Produktion und er ist im Laufe der Zeit hörbar immer mehr in die Rolle hineingewachsen. Er mag nicht der charismatischste Darsteller sein und zuweilen das letzte Quentchen Glanz vermissen lassen, aber sein Vortrag ist von großer Musikalität und Stilgefühl geprägt und auch die gefürchteten Höhenanforderungen bewältigt er locker und unangestrengt. Helena Zubanovich gibt als Ježibaba die verhärmte Hausfrau, die lieber nichts von allem wissen will und trumpft in der Beschwörungsszene mit bruchlos pastosem Alt und sicherer Höhe auf; hier wird die Premierenbesetzung sogar deutlich übertroffen. Die kurze, aber effektvolle Partie der Fremden Fürstin singt Nadia Krasteva mit erotischer Offensive und viel weiblicher Präsenz, wenn auch in der Höhe nicht immer ganz mühelos. Ulrich Reß als Förster, Tara Erraught als Küchenjunge, Sean Michael Plumb als Jäger sowie Evgeniya Sotnikova, Rachael Wilson und Alyona Abramowa als Waldnymphen runden die vorzügliche Ensembleleistung ab.

Und doch fand die eigentliche Sensation im Orchestergraben statt. Denn dort gab Andris Nelsons, von der sonst so gut geölten Marketingmaschine des Hauses praktisch unbeworben, sein spektakuläres Debüt am Pult der BSO. Dass Dvořák zu den Lieblingskomponisten des lettischen Stardirigenten gehört, ist Stammbesuchern der BR-Symphoniekonzerte natürlich längst bekannt und auch das Staatsorchester klang mit einem Mal, als habe es nie etwas anderes gespielt. Nelsons macht das Orchester zum Protagonisten, der dunkle, samtig glänzende Klangteppich entfaltet eine geradezu magische Präsenz und zieht den Zuhörer in den Sog der Geschichte hinein. Sogar der dritte Akt, der sich ja durchaus auch mal ziehen kann, wird hier zum Hör-Thriller. Nelsons vermag die atmosphärischen Exkurse und Lyrismen der Partitur auszukosten und wunderbar aufzufächern, ohne dass dies auf Kosten von Kontur und Transparenz geht; so vital, differenziert und – im besten Sinne – theatral habe ich das Werk bisher nichtmal im Ansatz gehört. Das war nicht eine andere Interpretation, das war gefühlt ein anderes Stück.

Ob dieses Debüt etwas mit der Jahreszahl 2021 zu tun hat? Nelsons’ Vertrag als Chefdirigent des Boston Symphony Orchestra läuft bis 2022… Träumen wird man doch mal dürfen!

Gehabt Euch also wohl und hört was Schönes,

Euer Fabius

Deutsche Oper am Rhein Duisburg: “Madama Butterfly” – 3.6.2017

Puccinis Madama Butterfly ist ein tolles Stück! Doch, wirklich! Muss man das eigens erwähnen? Aber ja, denn in neunundneunzig Prozent aller Aufführungen ist davon wenig oder gar nichts zu bemerken; Generationen von Dirigenten und Regisseuren haben sich an Puccinis Oeuvre, und an diesem ganz speziell, aufs Schwerste versündigt und eine rührselige, von übersüßtem Instrumentalgeplätscher ertränkte Nippon-Schmonzette gemacht, in deren Verniedlichungsästhetik Sentimentalität und kolonialistische Weltsicht eine unheilvolle Allianz eingehen. Ob das Werk trotzdem so populär ist oder gerade deswegen, ist die Frage…

Um das Werk vor der eigenen Aufführungsgeschichte zu retten, sind drei Faktoren nötig: ein Regisseur, der den ganzen Nippes und den pseudo-folkloristischen Ballast konsequent abräumt und mit aller gebotenen Härte die grausame Geschichte dieser schändlich betrogenen Frau erzählt, dann ein Dirigent, der die Partitur ernstnimmt, den Unterschied zwischen Emotion und Larmoyanz kennt und die immer wieder frappierende Modernität der Musik herausarbeitet. Und schließlich eine Interpretin der Titelpartie, die nicht nur deren stimmlichen Herausforderungen gewachsen ist, sondern die Figur mit Leben füllt. In dieser famosen Neuproduktion der Deutschen Oper am Rhein sind alle drei vorhanden.

Der aus dem drittgrößten Land der iberischen Halbinsel stammende Joan Anton Rechi hat an Rhein und Ruhr mit Massenets Werther (Archiv Januar 2015) und Donizettis L’elisir d’amore (Archiv Oktober 2016) bereits zwei äußerst originelle und bildmächtige Inszenierungen vorgelegt, mit entsprechender Spannung konnte man seiner Version der Butterfly entgegensehen. Und das zu Recht, denn Rechi setzte noch einen drauf. Dabei fällt der erste Akt noch für seine Verhältnisse relativ unspektakulär aus: er spielt zur Gänze in der Eingangshalle des US-Konsulates in Nagasaki (Bühnenbild: Alfons Flores), wuchtige, kalte Macht- und Einschüchterungsarchitektur mit Säulen, Ledersesseln und einem XXL-Sternenbanner im Hintergrund. Das von Pinkerton erworbene Liebesnest gibt es nur als Modellhäuschen, das bewundernd herumgereicht wird, Cio-Cio-Sans Verwandschaft präsentiert sich in diversen Stadien der Verwestlichung (Kostüme: Mercè Paloma), die Personenführung ist, wie von Rechi nicht anders gewohnt, präzise, sinnvoll und schnörkellos. Dieses Ambiente ist, bei aller Liebe zum Detail, ein irrealer, symbolischer Ort, die Sphäre der Besatzer, eine geschlossene Welt, die das Land drumherum ausblendet… „Ovunque al mondo lo Yankee vagabondo“ singen Konsul und Offizier bei Puccini. Ja, genau; heute sind wir hier, morgen woanders und überall sind wir die Größten. Die Verführungsszene am Schluß des ersten Aktes meistert Rechi ohne Peinlichkeit; nachdem Pinkerton genervt festgestellt hat, aus wievielen Schichten und Tüchern so eine japanische Damenoberbekleidung besteht, fährt die Drehbühne ein Bett herein und es wird zur Verrichtung geschritten… Zu den letzten Takten rotiert es wieder herein; jetzt ist der amante weg, es ist ein neuer Tag. Butterfly steht auf und das Inferno beginnt mit Fliegermotoren, Pfeifen und einer gewaltigen Detonation, die Halle stürzt ein und Frau Schmetterling steht als Schattenriss vor Qualm und Blendlicht. Offenbar ist es der 9. August 1945 und die Atombombe ist auf Nagasaki gefallen. Pause.

Knalleffekt zur Pause (Foto: Hans-Jörg Michel)

So ähnlich jedenfalls, eine platte 1:1-Umsetzung vermeidet die Regie, auch wenn die Assoziation doch recht eindeutig ist; die bühnenfüllende Trümmerwüste, in der der zweite Teil der Oper spielt, steht für die Ausweitung der Kampfzone, die seelische wird in der militärischen Zerstörung gespiegelt, die individuelle Tragödie wird zur Menschheitstragödie. Die zuvor so prächtige Fahne dient, zerrissen und verrußt, jetzt als Zeltplane und aus Überbleibseln hat sich Cio-Cio-San eine Art Wachturm gebaut. Land des Lächelns? Nicht die Spur. Und der Regisseur entfesselt mit seinem erstklassigen Ensemble ein beeindruckendes Kammerspiel auf Trümmern, lässt uns in die emotionalen Abgründe schauen; dieses Endspiel geht alle an. Natürlich kollidiert das Bühnengeschehen in manchen Details mit dem Libretto, aber die Analogie stimmt und zieht in ihren Bann. Diese Geschichte kann überall auf der Welt geschehen, „Ovunque al mondo“. So hat man Madama Butterfly noch nicht gesehen und erlebt.

Grandiose Titelheldin: Liana Aleksanyan (Foto: Hans-Jörg Michel)

Getragen wird diese hochspannende Konzeption durch die großartige Liana Aleksanyan in der Titelpartie. Eine der anspruchsvollsten Sopranpartien der italienischen Oper, schließlich fordert sie stimmliche Durchschlagskraft und Dramatik, aber eben auch rührende Naivität, mädchenhafte Frische und die Aura einer unerschütterlichen Liebe und seelischen Größe… Und all das will auch noch in Töne gebannt werden. Aleksanyan schafft das mit frappierender Leichtigkeit und Natürlichkeit, man hört an keiner Stelle Anstrengung oder Technik, Stimme wie Emotion scheinen förmlich aus ihr hinauszuströmen, bei einem lyrischen Grundton und mild leuchtendem Timbre besitzt ihr Material Körperlichkeit, strahlt Kraft und Energie aus, im zartschmelzenden Piano ebenso wie in der fulminanten Spitzentonattacke. So bietet sie selbst dem kraftstrotzenden Tenor des kurzfristig eingesprungenen Gianluca Terranova Paroli. Das Rollenfach des selbstherrlichen, latent schmierigen Verführers scheint dem Künstler auf den Leib geschrieben, sein Pinkerton ist ein Bruder im Geiste des Römers Pollione, den er letztes Jahr in Essen verkörpert hat (Archiv Oktober 2016). Gesanglich trumpft Terranova ungeniert auf, verbindet strahlendes Tenormetall mit stilistischer Kompetenz; die Frage nach seinem sängerischen Vorbild ist nach drei Takten beantwortet… Richard Šveda überzeugt in der eher undankbaren Partie des Konsuls Sharpless mit geschmeidiger Baritonpräsenz und zeigt eindringlich die Wandlung vom smarten Polit-Ehrgeizling zum mitfühlenden Freund. Überhaupt glänzt das Rheinopern-Ensemble mit einer Reihe eindrucksvoller Rollenporträts: Maria Kataeva gibt die treue Dienerin Suzuki mit Distinktion und großer Wärme; ein Jammer, dass Puccini kein großer Fan der Mezzosopranstimme gewesen ist… Florian Simson singt den Kuppler Goro mit messerscharf pointierter Diktion und dem Gebaren eines Westentaschen-Mephistos, Lukasz Konieczny versrüht als Zio Bonzo knorrige Baßtöne voller Gift und Galle und Bruce Rankin ist ein stolzer Yamadori. Auch der von Christoph Kurig einstudierte Chor macht seine Sache verläßlich.

A night in the embassy… (Foto: Hans-Jörg Michel)

Der erst 29jährige – und noch jünger aussehende – usbekische Dirigent Aziz Shokhakimov am Pult der Duisburger Philharmoniker macht vom ersten Moment an klar, was hier gespielt wird. Mit forschem, aber nicht ruppigem Zugriff und straffen Tempi befreit er die Musik von jedwedem Schwulst und sorgt für jenen unerbittlichen Drive und innere Dynamik, die gut gespielten Puccini ausmachen, verbunden mit einem ausgeprägten Sinn für die musikalische Dramaturgie und die Synthese von Melos und Schärfe. Die Sänger können sich jederzeit darauf verlassen und ihre Partien entsprechend frei gestalten, der Orchesterklang ist differenziert und trägt die Emotionen der Protagonisten. Ein Puccini-Dirigat wie es auch an größeren Häusern die absolute Ausnahme ist!

Damit ist der Rheinoper nach dem Otello im Herbst bereits die zweite in jeder Hinsicht begeisternde Neuproduktion in einer Saison gelungen; so läßt sich die zwischendurch verlorene Pole Position unter den Opernhäusern im bevölkerungsreichsten Bundesland wieder zurückgewinnen…

Gehabt Euch also wohl und hört was Schönes,

Euer Fabius

Bayerische Staatsoper: “Tannhäuser” – 21./28.5.2017

Frauen mit Flitzebogen oder Kann denn Leere Sünde sein?

Wie und warum Romeo Castellucci den „Tannhäuser“ versenkt hat

Das allseits beliebte Internetportal Wikipedia definiert den Begriff „Oper“ wie folgt: „Als Oper (vom italienischen opera in musica, musikalisches Werk) bezeichnet man seit 1607 eine musikalische Gattung des Theaters, in der eine szenisch-dramatische Handlung durch Musik dargestellt wird.“ Das ist im Kern korrekt und praktisch jeden Abend in Häusern irgendwo auf der Welt mehr oder weniger so zu erleben… Es sei denn, die Regie des Abends liegt in den Händen von Romeo Castellucci. Da kann weder von Handlung noch von Theater die Rede sein; wer den italienischen Grenzgänger und Radikalkünstler Castellucci verpflichtet, weiß, was er bekommt: eine mehr oder weniger bildgewaltige, esoterisch angehauchte Performance, eine begehbare Kunstinstallation, ein raum- und lichtgewordenes Bilderrätsel, bzw. eine ganze Abfolge davon. Theater? Ist ein dehnbarer Begriff.

Feuerrrrrr Frrrrrrei! – Castelluccis Amzonen in Aktion (Foto: Wilfried Hösl)

Schon zur Ouvertüre setzt die Bilderflut ein, 29 halbbekleidete Frauen mit Flitzebogen marschieren auf, gruppieren sich schreitend oder kniend in Reihen und diversen Formationen (Choreographie: Cindy van Acker) und nehmen eine runde Hintergrundprojektion, die wechselnd ein Auge und ein Ohr darstellt, ins Visier und schießen, immer wenn im Orchester Tannhäusers Lied an Venus erklingt, die volle Salve von Pfeilen ab… Amors Pfeile, Liebe, die Göttin Venus. Schon klar. Jene Venus ist als unförmiges Etwas – Jabba the Hutt aus Star Wars läßt grüßen – in einen wabbeligen Berg aus Fleisch und Masse eingeschmolzen, der Typ in Schwarz, der offensichtlich Tannhäuser sein soll, klampft auf einer goldenen XXL-Version des Flitzebogens herum und steht ansonsten da wie bestellt und nicht abgeholt… Es ist nicht so, dass es nichts zu sehen gäbe an diesem Abend, im Gegentum. Ständig tauchen neue Merkwürdigkeiten auf: eine nackte Frau auf lebendigem Pferd, eine goldene Mondenscheibe – wir könnten auch Norma oder Salome spielen – ein goldener Pfeil, den Elisabeth Tannhäuser im Finale Zwo in den Rücken piekst und der im dritten Akt über der Bühne hängt, anderthalb Kilometer wallenden transparenten Vorhangstoff – der Landgraf hält dem abtrünigen Barden im wahrsten Sinne des Wortes eine Gardinenpredigt – und weiße Bademäntel zur Samurai-Frisur, eine Box mit einem hampelnden Kobold darin, ein Bataillon abgetrennter Füße und manch andere Präpotenzen; eigentlich ist es doch Parsifal, der dasteht wie der Ochs vorm Berge und nichts rafft, „Weißt Du, was Du sahst?“. Nö, keine Spur. Geht uns hier gute drei Stunden lang genauso. Den absoluten Tiefpunkt markiert der dritte Akt, in dem nichts weiter passiert, als das Statisten Bahren rein- und rausfahren und mittels alle fünf Minuten ausgetauschter Leichenpuppen den Prozess der Verwesung dokumentieren, von ganzen Nachbildungen im Madame Tussaud’s-Stil bis hin zum Aschehäufchen, die von Tannhäuser und Elisabeth, bzw. von Klaus und Anja – wie es auf den Sarkophagen zu lesen steht – zusammengefegt werden… Weil die Vereinigung der Liebenden ja nur im… Ja, ist bekannt. Gehts noch? Derweil werden drei der großen Highlights der Oper, Gebet, Abendstern und Romerzählung, beziehungs- und sinnfrei in den luftleeren Raum gesungen. Dieser dritte Akt ist so ziemlich das Peinlichste, was ich die letzten zehn Jahre auf einer Opernbühne gesehen habe.

Singen in der Leichenhalle: Christian Gerhaher als Wolfram (Foto: Wilfried Hösl)

Natürlich läßt sich über all diese Einfälle und den ganzen Assoziationsapparat wunderbar referieren – was Castellucci in einem eigenen Videoblog auch ausführlich tut – aber mit der Handlung und den Charakteren des Tannhäuser hat das alles Nullkommagarnichts zu tun. Die Bilder als solche kann man als Zuschauer betrachten, kann sie schön oder schrecklich finden, kitschig, banal oder was auch immer; aber welche Musik dazu gerade läuft, ist vollkommen egal. Die zentrale inhaltliche Frage des Werkes, nämlich die nach Schuld und Strafe und der Fundamentalopposition zwischen den Kräften des Eros und der Sublimierung, wird nichtmal im Ansatz gestellt. Oder anders gefragt: wie können Leere und Öde denn Sünde sein? Und noch dazu eine, die nichtmal durch die – angeblich – höchste moralische Authorität auf Erden verziehen werden kann? An dieser Frage kann man als Regisseur durchaus scheitern, ist schon vielen so gegangen, großen Namen eingeschlossen. Aber sie haben es zumindest versucht ohne sich in ein esoterisches, pseudo-intellektuelles Wolkenkuckucksheim zu flüchten.

Die Sänger haben hoffentlich ihre anderthalb Monate bezahlten Urlaub, im Vertrag vermutlich als „Probenzeit“ ausgewiesen, genossen. Jedenfalls wurde ihnen nichts abverlangt, was Profis nicht in höchstens dreißig Minuten Stellprobe hinbekommen hätten. Sie können sich irgendwo hinstellen, wo gerade Platz ist, machen was ihnen einfällt oder auch mal zwischendurch rausgehen, ohne dass das wen interessiert, solange sie beim nächsten Einsatz wieder an Ort und Stelle sind… Castellucci hat den Tannhäuser nicht inszeniert, sondern versenkt bis auf den Grund des Sankt Andreas-Grabens.

Gardinenpredigt: Georg Zeppenfeld (Landgraf Hermann) und Anja Harteros (Elisabeth) – Foto: Wilfried Hösl

Das ist umso ärgerlicher, weil mit dieser Besetzung eine Aufführung mit Referenzcharakter möglich gewesen wäre; so beschränkte sich dieser auf die musikalische Seite, wo die BSO ihre Kernkompetenz in Sachen Wagner einmal mehr demonstrierte. Und nicht nur das; vieles, was an diesem Abend zu hören ist, hat man so tatsächlich selten oder nie zuvor gehört. Eine Elisabeth etwa wie die von Anja Harteros, die nicht einfach nur betörend schön und mit herzerwärmender Innigkeit singt, sondern wie immer auch einen ungemein spannenden Charakter formt. Dass diese junge Frau, von der sie umgebenden Macho-Gesellschaft in die Rolle des Idols und der „reinen“ Muse und Lichtgestalt gedrängt, im Kern zutiefst verunsichert ist und nur zu gerne mit dem Außenseiter Tannhäuser den Aus- und Aufbruch wagen würde, wird in jeder Note spürbar. Ist halt nicht, aus den bekannten Gründen. Und doch ist sie bereit alles zu wagen, Partei zu ergreifen und jene ihr zugedachte Rolle einzunehmen; nur eben viel radikaler, ehrlicher und selbstbestimmter, als gedacht und gewünscht. Dieser Akt der Selbstfindung vollzieht sich im zweiten Akt wie unter dem ominösen Brennglas; das Gebet im dritten Akt ist die letzte Stufe davon und gerät Harteros mit weich fließender Kantilene und schillernder Farbgebung als hymnische Entäußerung einer großen Seele. Solche dialektisch aufgebauten Figuren sind ja nun für Wagner typisch; und mit solchen Interpreten findet es Erfüllung. Ähnliches gilt für Christian Gerhaher als Wolfram. Eine sonst oft etwas blass gezeichnete Partie, der ewige Zweite, der zwar auf Knopfdruck schöngeistiges Geseiche abzuliefern versteht, im wahren Leben und Lieben aber nicht so recht weiss; Wartburg’s darling sozusagen. Nicht so bei Gerhaher, durch die immer wieder schier unglaubliche Fülle baritonaler Schattierungen und seine stimmliche wie emotionale Präsenz gestaltet er einen echten Widerpart, unter dessen kultivierter Fassade es gewaltig brodelt. Gerhaher singt mit vollendeter Noblesse, macht aber auch klar, wo Schluß ist mit lustig. Sein Abendstern-Lied wird geradezu zur Abrechnung mit sich selbst, ein traumverlorener und zugleich traumatischer Abgesang. Dass beide Künstler diese Intensität vollkommen ohne szenische Hilfe erzielen, belegt erneut deren absoluten Ausnahmerang. Den nimmt auch Georg Zeppenfeld ein, unter den deutschsprachigen Bässen hat er sich längst ins amtierende Spitzentrio gesungen. Auch sein Landgraf Hermann ist wieder ein Muster an sonorer Klangpracht und -fülle, kerniger Tiefe und balsamischer Schönheit in Tateinheit mit exemplarischer Textbehandlung. Kein Bagatelladeliger, sondern ein Sonnenkönig auf Kommunalebene, der keinen Widerspruch und auch sonst wenig neben sich duldet.

Elena Pankratova ist als Venus wahrlich nicht zu beneiden, da jedweder darstellerischen Möglichkeit beraubt und im Finale der Oper auch noch in die Engelsloge verbannt… Dafür nimmt sie sich den großen Auftritt beim Schlußapplaus, so nach dem Motto „Besser spät als nie“. Stimmlich gibt es gewiss Partien, in denen ihre Qualitäten noch besser zur Geltung kommen, ihr voluminöser, metallisch grundierter Sopran wirkt hier mehr heroisch auftrumpfend als mystisch verführend. Nichts auszusetzen gibt es an der Combo der Minnesänger, angeführt vom frisch vorangesungenen Walther von Dean Power und dem kantigen Biterolf von Peter Lobert und ergänzt durch Ulrich Reß als Heinrich und Ralf Lukas als Reinmar. Elsa Benoit als Hirte darf dem szenisch agierenden Kinderstatisten aus dem Off ihre Stimme leihen.

Frau Venus (Elena Pankratova) als Jabba (Foto:Wilfried Hösl)

Nun heisst das Werk allerdings Tannhäuser… Und das nicht ganz zu Unrecht, denn mit der Titelfigur steht und fällt es zu ganz großen Teilen. Um mal im Bild zu bleiben: hier wackelte es, fiel aber nicht. Klaus Florian Vogt, für gewöhnlich eher auf die Weichei-Rollen wie Lohengrin, Erik oder Parsifal abonniert, hat sich nun erstmals das Testosteronmonster Tannhäuser vorgenommen. Konnte das gutgehen? Kaum, denn Vogts Stimme klingt nunmal wie sie klingt: hell, körperlos und leicht weinerlich; ein „Heldensopran“, wie es in einem Pausengespräch hieß. Entsprechend hat man Phrasen wie „Schmachvoll des Himmels Mittlerin verkannt…“ oder auch das berühmt-berüchtigte „Erbarm Dich mein“ wohl selten so larmoyant gesungen gehört. Dass ich nicht zu den Fans dieses Künstlers gehöre, dürfte mittlerweile bekannt sein. Dennoch geriet dieses Rollendebüt nicht zu dem Debakel, das manch einer befürchtet hatte; Vogt hält konditionell ohne nennenswerte Abnutzung durch, hat die Höhe und bleibt vokal durchgehend in der Spur, abgesehen von den üblichen Problemen mit sehr langbogigen Phrasen. Für eine wirklich adäquate Interpretation reicht das dennoch nicht aus, wie meist bei ihm klingt alles gleich und monochrom und ausdrucksneutral; ihm und dem Kollegen Gerhaher im Sängerwettstreit alternierend zuzuhören hatte schon etwas leicht Sadomasochistisches an sich… Oder war das etwa so gewollt?

Wie die Zeit vergeht… Klaus Florian Vogt in der Titelpartie (Foto: Wilfried Hösl)

Ganz sicher so gewollt war natürlich, was aus dem Orchestergraben kam. Kirill Petrenko stellt mit dem bestens disponierten Staatsorchester eine Lesart vor, die sich diametral von denen seiner beiden Vorgänger im GMD-Amt unterscheidet, oder besser gesagt, die eine Synthese bildet zwischen Mehtas schwelgend-romantischem Breitwand-Sound und Naganos kristalliner Transparenz. Klar und durchhörbar ist auch hier das Orchesterspiel, setzt klare Kanten ebenso wie sinnlich blühende Klangfarben, Poesie mit Muskeln sozusagen. Die wie immer bei Petrenko überwältigende Detailarbeit birgt, das sei nicht verschwiegen, auch zuweilen die Gefahr der Tüftelei. Dem entgeht der Dirigent vor allem im ersten Akt nicht immer, das rauschhaft bacchantische Bekenntnis der Venusberg-Musik bleibt eine Spur zu kontrolliert, zu abgesichert; zur Szene passt das, zu den Vorgaben des Komponisten eher weniger. Das ändert sich im Verlauf des Abends, mit Beginn des zweiten Aktes wird das Dirigat ungleich freier, auch wenn sich Petrenko durchaus Zeit lässt. Das kann er sich trauen, da die tempi nie nur einfach langsam, sondern auch mit Sinn und Innenspannung gefüllt sind. Atemberaubendes gelingt ihm nicht nur im Zusammenspiel mit den Solisten, sondern auch mit dem von Sören Eckhoff präparierten Staatsopernchor; nach zwei doch sehr durchwachsenen Premierenleistungen zeigten sich die Damen und Herren wieder von ihrer besten Seite und boten eine differenzierte und klanglich abgerundete Performance. Unglaublich, wie dynamisch, konsequent und spannend sogar der so ausgelutschte Einzug der Gäste plötzlich klingen kann! Die holde Kunst, hier wurde sie zur Tat.

Die Bravo-Buh-Kontroverse beim Auftritt des Regieteams war mindestens so laut und deftig wie bei der Premiere der Alden-Inszenierung vor 23 Jahren. Jene war immerhin 19 Jahre im Repertoire geblieben; ein ähnliches Bühnenleben dürfte Castelluccis Bemühung nicht beschieden sein, vielmehr hört man, dass es um die Repertoirefähigkeit der Produktion schlecht bestellt sein soll. Ob der Meister selbst der Welt noch den Tannhäuser schuldig geblieben ist, wie er selbst meinte, sei dahingestellt; Castellucci ist es auf jeden Fall.

Gehabt Euch also wohl und hört was Schönes,

Euer Fabius

Bayerische Staatsoper: “Andrea Chénier” – 12./18./22.3.2017

One more day to Revolution?

Giordanos Verismo-Schinken feiert ein spätes München-Debüt

Wohl selten in der Geschichte der Kunstform Oper dürften soviele Menschen in einem Raum – noch dazu einem so großen wie dem Münchner Nationaltheater – in einem Moment exakt dasselbe gedacht haben; „Auf geht’s beim Schichtl“ nämlich. Nicht-Einwohnern der Landeshauptstadt muss man das vielleicht erklären: der Schichtl ist eine traditionelle Attraktion auf dem Oktoberfest, ein schräg-anachronistisches Jahrmarktskabarett mit Kultcharakter, dessen Programm stets darin gipfelt, dass ein willkürlich ausgewählter Zuschauer – meistens der, der am breitesten grinst – auf offener Bühne illusionsweise guillotiniert wird. Eine Münchner Institution. Schön. Und was haben Schichtl und Staatsoper miteinander zu tun? Nichts. Also… eigentlich nichts. Außer es wird Andrea Chénier gespielt, denn auch der Tenor-Titel-Held und seine Geliebte werden am Schluß der Oper einen Kopf kürzer gemacht. Schließlich spielt das Stück im historischen Rahmen der Französischen Revolution und da saßen die gekrönten und adeligen Häupter bekanntlich eher locker und Le Terreur machte irgendwann keine Unterschiede mehr, forderte seine Opfer, die Revolution fraß ihre Kinder und ihre Dichter gleich mit. Normalerweise endet die Oper mit einem bedeutungsschwangeren gemeinsamen Schreiten der Liebenden oder irgendeiner melodramatischen Pose vor Henkerskarren… Nicht so in dieser Neuinszenierung; hier wird tatsächlich geköpft und der abgetrennte Kopf des Publikumslieblings in detailrealistisch modellierter Pappmaché-Version in die Höhe gestemmt wie ein Pokal. Das ist nun wirklich Schichtl und nicht Staatsoper, dieser Schluß ist, muss man leider so sagen, Murks.

Spät ist dieser Andrea Chénier nun auch nach München gekommen, geschmeidige einhundertzwanzig Jahre nach der Uraufführung ging er nun erstmals in der Landeshauptstadt über die Bühne; man muss mit Repertoireerweiterungen schließlich vorsichtig sein… In den 1980er Jahren war das Werk schon einmal überaus populär gewesen und eine wahre Welle von Neuproduktionen hatte die Opernhäuser überrollt, Chenier all over the world. Außer in München, wo es zu jener Zeit eine einflussreiche Persönlichkeit in der Theaterleitung gab, die sich einer Ansetzung standhaft verweigerte und es wohl mit Thomas Bernhard hielt, der Dramatiker attestierte dem Komponisten nämlich, „widerlichen Heroenkitsch“ produziert zu haben… Was natürlich fulminant übertrieben ist! Natürlich ist Andrea Chénier ein kolportagehafter Reißer, inhaltlich und musikalisch gleichermaßen plakativ, ohne psychologischen Tiefgang oder nennenswerte Entwicklung der Charaktere und stets auf den Effekt hin getrimmt. So what? Das sind andere Opern des Standardrepertoires auch; und wenn man diese Machart ernst nimmt und entsprechend bedient, lassen sich die Massen durchaus davon begeistern; was diese Münchner Erstaufführung auf grandiose Weise beweist.

Zweiklassengesellschaft, beim Wort genommen (Foto: Wilfried Hösl)

Dabei darf, um nicht zu sagen: muss, auch gerne mal etwas dicker aufgetragen werden, gerade in den Chören und Straßenszenen gibt es gut was auf die Ohren und auch die schmachtvollen Arien vertragen den breiteren Pinselstrich. Den hat Dirigent Omer Meir Wellber bekanntlich drauf und gibt mit dem schwungvoll und musizierfreudig aufgelegten Staatsorchester dem Affen gehörig Zucker wo es angebracht ist, zeigt sich aber auch als sensibler Sängerbegleiter, der den Stimmen Raum zur Entfaltung gibt und der Partitur immer wieder Zwischentöne und weiche, melancholische Klangfarben verleiht, von denen man nicht unbedingt wusste, dass es sie hier gibt… Wellber dirigiert ein glutvolles Drama mit Mut zur großen Geste, ohne den klanglichen Fokus zu verlieren oder in undifferenziertes Lärmen zu verfallen; dafür wird er zu Recht gefeiert.

Die lange und durchaus strapaziöse Titelpartie steht bei jeder Chénier-Aufführung im Mittelpunkt des Interesses, von Dramaturgie und Gewichtung her ist das ein Tenor-Stück par excellence. Diesmal wurden noch ein paar Umdrehungen mehr an der Hysterieschraube gedreht, schließlich war SEINE Rückkehr Thema des Tages; nach gut fünfmonatiger Zwangspause zeigte sich Jonas Kaufmann wieder seinen Münchner Jüngern, äh… Fans und hat mit diesem Auftritt so manche Spekulationen beendet und angefacht zugleich. Dieser Chénier ist ein glühender Freigeist, ein Revolutionär wider Willen, getrieben von Leidenschaft und Pathos, aber nicht domestizierbar und Künstler durch und durch; kein planvoll handelnder Kämpfer, aber einer, der überall aneckt und in kein politisches System passt. Sich treu bleiben und den Kopf verlieren. Und dieses noch hingebungsvoll besingen, so lange es geht… Diesen Charakter versteht er jederzeit plastisch und glaubwürdig zu gestalten, da dürfte es derzeit keine bessere Besetzung geben. Vokal gibt Kaufmann den Poeten eher handfest als wirklich poetisch und scheint sich auf der dynamischen Ebene des Forte wohler zu fühlen als im rein Lyrischen; so punktet er vor allem dort, wo die schmetternde Stimmattacke gefragt ist, während in den leisen oder mitteltönigen Episoden doch der eine oder andere etwas fahle oder auch verrutschte Ton unterläuft. Das sorgte am Premierenabend noch für etwas gebremsten Schaum, im Laufe der Serie hat er sich zunehmend freigesungen. Das ist, schon klar, Jammern auf ganz hohem Niveau und es gab auch diesmal viel beeindruckenden Tenorgesang zu hören; aber bis zur Hochform fehlen hörbar doch noch ein paar Prozent.

Gar nichts fehlte hingegen bei Anja Harteros, die in ihrem Rollendebüt als Maddalena dieser relativ undankbaren Rolle ein Profil gab, das diese eigentlich gar nicht hergibt. Ihre Interpretation von „La mamma morta“, dank des Films Philadelphia das bekannteste Stück der Oper, ist die musikalische und emotionale Brennkammer des Abends, da erlebte man einmal mehr, wie diese wunderbare Künstlerin Emotion über die Stimme in Transzendenz zu wandeln versteht und wieder zurück, viereinhalb Minuten wie nicht von dieser Welt. Den Weg von der herablassenden Adelsgöre zur großen Diva zeichnet Harteros mit größter Suggestivität nach, verfügt über den leichten, mädchenhaften Ton ebenso wie über unbedingte Leidenschaft und echt veristisches Pathos. Als eine der ganz wenigen Sängerinnen der Jetztzeit versteht sie es, schon mit dem ersten Ton ihrer Rolle dem Abend eine Farbe, eine Präsenz hinzuzufügen, die vorher nicht da war; unter Melomanen ist dieses Phänomen längst als der „Anja-Effekt“ sprichwörtlich.

Gleich gehts auf beim Schichtl: Anja Harteros (Maddalena) und Jonas Kaufmann (Chénier) kurz vor knapp (Foto: Wilfried Hösl)

Die größte gestalterische Herausforderung in dieser Oper bedeutet die Partie des Carlo Gerard, der als einziger der Protagonisten eine echte charakterliche Entwicklung erlebt; vom grimmigen Proletarier mit Rachephantasien steigt er in der Revolution zu einem höheren Apparatschik auf, einem großgewordenen Westentaschendespoten, um dann in seiner berühmten Arie „Nemico della patria“ und der Wiederbegegnung mit Maddalena seine humanitären Ideale wieder zu entdecken… Nicht nur in jener Arie – nicht umsonst ein Strunzstück sämtlicher namhaften italienischen Baritone von Bastianini bis Cappuccilli – begeistert Luca Salsi mit kraftvoll-opulentem Vortrag, wunderbarer Legatokultur und samtweichem Schmelz. Dies war sicherlich ein Durchbruch für den Künstler und dürfte seiner Karriere einen gewaltigen Schub versetzt haben; zu gönnen ist das dem sympathisch bodenständig wirkenden Sänger aus dem Verdi-Land um Parma allemal.

Aber die Castingabteilung hat nicht nur bei den drei Hauptrollen einmal mehr ganze Arbeit geleistet, das gesamte Ensemble zeigte sich auf hohem Niveau homogen, bis in die Kleinpartien gab es keine Ausfälle zu beklagen, dafür einige ausgesprochene Glanzpunkte zu würdigen. Allen voran ist hier Doris Soffel zu nennen, die aus der Contessa di Coigny eine Allegorie auf das Ancien Règime macht, eine Verkörperung einer aufgeplusterten und tyrannischen Gesellschaft, die unablässig um sich selbst kreist und alle (Mit)menschlichkeit und Verantwortung längst verloren hat; mit einer in Stimme und Spiel nachgerade lustvoll ausgespielten Dekadenz rückt Soffel die Partie in die Nähe einer Herodias oder Klytämnestra en miniature, ihre groteske Gavotte und ihr hysterisches Lachen zum Ende des ersten Aktes geht unter die Haut. Einen vergleichbaren Gruselfaktor erzielt auch Elena Zilio als die alte Madelon, die ihren letzten verbliebenen Enkel mit dem Eifer des Fanatikers Robbespierres Herrschaft als Kanonenfutter aufdrängt; auch hier konnte es einem ganz schön flau werden… Erfreulich diszipliniert und mit aalglatter Präsenz gibt Kevin Conners den umtriebigen „Incredibile“, den prinzipienlosen Agenten und Handlanger des Systems. Die BSO-Debütantin J’nai Bridges ist als Bersi ein echter Hingucker, zu singen hat sie leider recht wenig. Abgerundet wird das Ensemble durch die Auftritte von Andrea Borghini (Roucher), Nathaniel Webster (Fléville), Ulrich Reß (Abbate), Christian Rieger (Fouquier-Tinville), Kristof Klorek (Dumas) und Anatoly Sivko (Schmidt). Nicht zu vergessen natürlich Tim Kuypers, dessen Rolle als Revolutionär Mathieu von der Regie deutlich aufgewertet wird; in der Maske des Joker aus Batman und eingehüllt in eine schmutzige Trikolore schleicht er sich wie ein böser Geist durch den Abend, an allen Schauplätzen anwesend mit einer hinterhältig-brutalen Präsenz; die schon vor Stückbeginn eingeschobene und dann während der Handlung mehrfach gesungene Carmagnole wird zum unheilvollen Personalmotiv dieses sinistren Charakters. Ein sehr überzeugender Einfall!

Jubelarien nach den Arien: Luca Salsi, Anja Harteros und Jonas Kaufmann nach vollendetem Werk (Foto: Wilfried Hösl)

Überhaupt geriet auch die szenische Seite kaum weniger spektakulär als die musikalische: Opernregie ist ja bekanntlich nur eine Komponente im künstlerischen Portfolio von Philipp Stölzl, der auch als Werbemensch und Produzent von Musikvideos und Kinofilmen unterwegs ist. Sonderlich nett ist das Publikum beim Debüt in seiner Heimatstadt nicht mit ihm umgegangen, der Applaus wurde am Premierenabend von erbitterten Buh-Rufen durchzogen. Alles wegen des Ausflugs zum Schichtl? Oder passte da einigen „die janze Richtung“ nicht? Abgesehen von dem albernen Schluß und drei oder vier kleinen handwerklichen Ungeschicklichkeiten – die dann doch ein wenig den Quereinsteiger verraten – hat sich der Regisseur nichts zuschulden kommen lassen und hat eine lebendige Inszenierung vorgelegt, die einiges fürs Auge bietet und mit der Haus und Publikum eigentlich die nächsten Spielzeiten gut leben können. Und das ist doch bedeutend mehr als viele Kollegen von sich behaupten können… Stölzl beläßt die Handlung in der vorgegebenen Epoche; alles andere würde bei der extrem engen Verzahnung von Handlung und Personal mit den historischen Vorgaben auch wenig Sinn machen; Schauplätze und Kostüme (mit viel Freude am Detail entworfen von Anke Winckler) sind also Französische Revolution. Allerdings sorgt die technisch sehr ambitionierte und sich ständig bewegende Bühnenkonzeption dafür, dass nie der Eindruck eines bloßen Kostümschinkens entsteht. Wie schon letztes Jahr bei Cav(alleria) und Pag(liacci) in Salzburg setzt Stölzl auch hier auf eine kleinteilige, setzkastenartige Konstruktion, die es erlaubt, immer mehrere Handlungsstränge, bzw. parallele Ereignisse simultan abzubilden; besonders eindrucksvoll im ersten Bild, wo der dekadente Adelssalon der Gräfin kontrastiert wird mit der Ansicht der im Souterrain zusammengepferchten Dienerschaft. Selbiges Gewölbe dient im zweiten Bild dann als klandestiner Treffpunkt der Liebenden in der Kanalisation – Der dritte Mann läßt grüßen – und später noch als Lazarett und Gefängnis. Doch Stölzl und seine Co-Bühnenbildnerin Heike Vollmer bauen nicht nur in die Tiefe, sondern auch in die Höhe, zeigen Bordell, Verwaltungssitz und Richtplatz in mehrstöckiger Bauweise, lediglich für den Gerichtssaal hat man mehr Platz gebraucht und fährt die Kulissen kurzerhand nach hinten. Eine gewisse Nähe zur Ästhetik des Musicals kann und will die Inszenierung nicht verleugnen, ein Hauch von Les Miserables liegt in der Luft und irgendwie hätte es gepasst, anstelle des Improviso „One more day to revolution“ anzustimmen… Das Stück (ver)trägt auch das.

Einen so in sich stimmigen Opernabend erlebt man selten und die Freude und die offensichtlich extrem gute und kollegiale Atmosphäre unter den Mitwirkenden übertrug sich auch beim Schlußapplaus aufs ganze Haus; da wurde bei allen Vorstellungen mitgefiebert, geredet, umarmt und man freute sich über den Applaus für die Kollegen… Schön zu sehen, so sollte es eigentlich immer sein! Andrea Chénier, der Verismo-Schinken, ist endlich angekommen in München; und zwar gut abgehangen und kräftig gesalzen.

Gehabt Euch also wohl und hört was Schönes,

Euer Fabius

Bayerische Staatsoper: “Semiramide” – 3.3.2017

Eine Königin, die in Komplizenschaft mit einem notorischen Erzschurken ihren Gemahl ermordet, um selbst den Thron zu besteigen, eine ob der Freveltat aus den Fugen geratene gesellschaftliche Ordnung, beherrscht von Schuld, Angst und Gewalt und ein ersehnter Rächer in in Gestalt des überlebenden Sohnes, auf dessen Erscheinen alle warten… Ja klar, hatten wir doch gerade. Halt, Moment! Nein, es ist zur Abwechslung nicht die Rede von Elektra! Sondern von Rossinis Semiramide. War das wirklich ein Zufall, dass die jüngste Wiederaufnahme der einen und die Premiere der anderen letzten Monat an einem Wochenende stattfanden? Oder sollte sich dabei etwa jemand was gedacht haben? Denn bei allen Unterschieden sind die Parallelen zwischen beiden Handlungen und Figurenkonstellationen erstaunlich; in beiden geht es um einen, zu Beginn noch ungesühnten, Gattenmord und um die Frage, was das Verbrechen mit dem Einzelnen und dem Staat macht.

So gewinnt auch das Libretto, das Gaëtano Rossi 1823 aus der Vorlage von Voltaire herausdestilliert hat und das manch einer auf den ersten Blick für eine wüste Räuberpistole halten mag, doch eine gewisse dramatische Stringenz; trotz der zugegebenermaßen etwas weitschweifigen Handlungsführung und der zuweilen holprigen Dramaturgie. Musikalisch gehört Semiramide – übrigens die letzte Oper, die der Maestro vor dem Wechsel nach Paris für ein italienisches Theater komponierte – zu den reichsten und dichtesten Partituren Rossinis und sprüht nur so von brillanten melodischen Erfindungen, eine letzte große Apotheose der Belcanto-Ära und ihrer vokalen Feuerwerke, bevor sich der Komponist in und für Paris anderen dramaturgischen und stilistischen Formen zuwandte. Wenn man das adäquat auf die Bühne bringen will, braucht man nicht einfach nur eine Handvoll guter Sänger; man braucht die besten. Solche, die nicht nur mit Rossinis speziellem Gesangsstil vertraut sind und die hochvirtuosen technischen Anforderungen erfüllen, sondern die auch den zuweilen etwas hölzernen Charakteren Leben einhauchen und damit der Geschichte gestalterisch in die Strümpfe helfen.

In Haupt- und Staatsaktion: Joyce Di Donato in der Titelrolle (Foto: Wilfried Hösl)

Tatsächlich fällt es verdammt schwer, sich eine bessere Besetzung der Hauptpartien vorzustellen, als sie hier am Start war. Nicht nur Herrscherin Babylons, sondern vor allem Königin des Belcanto ist Joyce Di Donato in der Titelrolle, die vokal sämtliche Puppen tanzen läßt und die gesamte Fülle an Koloraturen, Spitzentönen und sonstigem Zierrat ins Auditorium feuert, als sei das hier una passeggiata nel parco, ein gemütlicher Spaziergang im zwei- und dreigestrichenen Bereich. Im Gegensatz zu so gefeierten Vorgängerinnen wie Sutherland, Caballé oder Gruberova ist Di Donato ein Mezzosopran, was dem Stimmcharakter Isabella Colbrans in Sachen Farbgebung und Klangcharakter mutmaßlich weitaus näher kommen dürfte. Neben dem sinnlich-knisternden Timbre ihrer Stimme verfügt die Künstlerin über schier unbegrenzte stimmgestalterische und dynamische Ausdrucksmöglichkeiten, bei allem klassischen Ebenmaß des Vortrags wird die innerliche Zerrissenheit des Charakters stets sinnfällig; ein ungemein differenziertes und berührendes Rollenporträt, das auch die große dramatische Attacke mittlerweile einschließt. Einen echten contralto musico besitzt Daniela Barcellona als Arsace, dessen sehr dunkles Timbre und weich fließende Tongebung einen reizvollen Kontrast zu Di Donato setzt und in den Duetten doch bestens harmoniert, „Giorno d’orror“ im zweiten Akt gehörte zu den großen und magischen Momenten des Abends. Dass diese beiden wunderbaren Sängerinnen in den letzten Jahren so häufig zusammen aufgetreten und daher perfekt auf einander eingespielt sind, ist ein Glücksfall für diese Produktion. Den etwas linkischen, aber charakterstarken und einfühlsamen Prinzen verkörpert Barcellona sehr eindringlich und bewegend, die Tonkaskaden fließen mit der größten Selbstverständlichkeit.

Der Moment der Rache: Arsace (Daniela Barcellona) meuchelt Semiramide (Joyce Di Donato) – Foto: Wilfried Hösl

Dritter im Bunde der Protagonisten ist Alex Esposito als intriganter Oberschurke Assur, eine Partie, die Samuel Ramey über Jahre, wenn nicht Jahrzehnte, quasi im Privatbesitz hatte. Mit Esposito hat jener nun endlich einen würdigen Nachfolger gefunden, der über einen kernig-saftigen und attraktiv timbrierten Bass von großer Flexibilität und Geläufigkeit verfügt. Die Stimme „sitzt“ und spricht in allen Lagen sehr gut an und behält auch in der Höhe ihren Fokus und ihren schönen dunklen Klang. Dass Esposito auch ein Bühnentier und szenischer Charismatiker ist, muss ebenfalls kaum noch extra erwähnt werden…

Eher stiefmütterlich behandelt hat Rossini in dieser Oper den Tenor; der indische Prinz Idreno spielt dramaturgisch keine substanzielle Rolle, hat aber zwei höllisch anspruchsvolle Arien mit Ausflügen über das hohe C hinaus zu singen. Hier wurde die erste davon sogar noch gestrichen, so dass die Figur noch weiter in den Hintergrund rückte; schade für Lawrence Brownlee, dem somit nur eine einzige Gelegenheit blieb, seine stimmliche Brillanz und Virtuosität zu demonstrieren; das tat er dann aber erst Recht mit vollem Einsatz und holte sich die Krone des Virtuosen. Simone Alberghini gab dem zwielichtigen Oberpriester Oroe trotz einiger stimmlicher Mürbstellen soviel Autorität, wie die an Charlton Heston erinnernde Aufmachung es noch zuließ. Mit der Fantasie der Kostümdesignerin hatten auch Galeano Salas als Hauptmann Mitrane und vor allem Elsa Benoit als Prinzessin Azema zu kämpfen; warum die Frau, in die sämtliche männlichen Protagonisten vernarrt sind, als kahlköpfige und praktisch bewegungsunfähige Mumie im Goldflitterlook staffiert war, musste nun niemand verstehen. Komplettiert wurde die Besetzung durch Igor Tsarkov als Ombra di Nino kraftvoll, aber mit wenig Gespür für die italienische Sprache an sich.

Ende mit Schrecken: Alex Esposito als Assur (Foto: Wilfried Hösl)

Mit dem München-Debütanten Michele Mariotti hatte man einen ausgesprochenen Rossini-Spezialisten engagiert, der den Werken des Cigno Pesarese, und nicht nur jenen, seit Jahren an den ersten Adressen der Musikwelt schimmernden Glanz und instrumentalen Schliff gibt. Das versuchte er auch hier vom ersten Takt an, sein Zugriff auf die Partitur ist elegant und leichtfüßig, besitzt aber auch das Fundament, um die tragische Seite des Konfliktes sinnfällig zu machen. Allerdings hatte er es hier mit dem Staatsorchester zu tun, welches traditionell mit Rossini seine Probleme hat… So gesehen war es schon ein kleiner Kulturkampf, der sich im Orchestergraben abspielte. Nicht, dass die Damen und Herren nicht gewollt hätten oder sich dem frischen Impetus des jungen Maestro bewußt verweigert hätten, aber im Detail klang doch vieles um die entscheidende Nuance zu schwer, zu kompakt, troppo tedesco. Im Laufe der Serie hat sich das Klangbild deutlich entspannt und an diesem letzten Abend verströmte das Orchester schon bedeutend mehr an Italianità als in der Premiere. Eine regelmäßige Zusammenarbeit mit Michele Mariotti würde ihnen mit Sicherheit gut tun! Was den Chor in der Einstudierung von Stellario Fagone betrifft, konnte von Verbesserung leider keine Rede sein, das klang in dieser Dernière noch ebenso wacklig, unsauber und schlecht phrasiert wie zu Beginn; die schwächste Leistung des Staatsopernchores seit langem. Ob es an den Kostümen mit den bei Damen wie Herren gleichermaßen fest bandagierten Köpfen lag und die Kollegen sich selbst und unter einander schlicht nicht richtig gehört haben?

Konterkariert wurde das musikalische Fest leider durch die szenische Aufbereitung von David Alden; das Wort „Regie“ kommt mir, wie immer bei ihm, nur schwer über die Lippen. Gezählte dreizehn Inszenierungen, gefühlt darf man getrost eine Null dranhängen, hat Alden in der Intendanz von Sir Peter in München abgeliefert, drei davon zugegebenermaßen richtig gut, der Rest irgendwo zwischen belanglos und enervierend. Alden gehört zu jener Sorte von Regisseuren, die sich wenig oder gar nicht für die Geschichte und erzählerische Stringenz einer Oper oder deren Bedeutung interessieren, sondern eine spezifisch eigenwillige Ästhetik entwickeln, die über jede Handlung drüber gekippt wird, ganz egal, ob das passt oder nicht. Im Falle Aldens sind das zumeist sehr bunte, latent psychedelisch inspirierte Bilder, variable und abstrakte Bühnenräume mit rätselhaften Versatzstücken und einer durch sich verschiebende Kulissen vorgetäuschten Dynamik. So fühlte man sich in dieser Aufführung glatt um zehn Jahre zurückversetzt; wieder die im Grundsatz immer sehr ähnlichen Bühnenbilder von Paul Steinberg, die fahrenden Wandelemente, die notorischen Clubsessel, die ausgesucht häßlichen Bodenbeläge, die Umgruppierung von Möbeln und die zahlreichen Statistenauftritte. Nur den auch gerne genommenen Kühlschrank habe ich diesmal nicht gesehen, stand vielleicht ganz links in der Ecke…? Dafür gibt es in Semiramide den ermordeten Herrscher zumindest als visuelle Größe zu sehen, nämlich in Form einer fahrbaren Kolossalstatue mit erhobenem Salutierarm und auf großformatigen Ölschinken in gestellter Familienpose… Nordkoreas Kim-Familie ließ grüßen. Auch die Kostüme von Buki Shiff gehen in diese Richtung, vermischen diese Assoziation aber noch mit etwas vorderem Orient und billigem Designer-Schnickschnack. Das wäre ohne Weiteres in jede andere Alden-Inszenierung transferierbar gewesen, hat man alles x-fach gesehen Es war damals schon langweilig und ist es heute erst recht. Die durchaus explosive Figurenkonstellation, die Charaktere in ihren psychischen und emotionalen Grenzsituationen, ihre Motivation und ihr Affektausdruck blieben konsequent uninszeniert, solch großartige Sängerpersönlichkeiten weit unter Wert verkauft. Das einzige wirklich starke und im Gedächtnis bleibende Theaterbild dieses langen Abends ist der Schluß, wenn sich Arsace alias Ninias nach erfolgter Blutrache, fast erdrückt von der Last der Tat und des Herrscheramtes, die steilen Stufen zur Rednertribüne emporquält, um zum Volk zu sprechen, während Semiramide am Fuße jener Treppe ihr Leben aushaucht… Dass das Volk in dieser Szene gar nicht mehr anwesend ist und der Chor über Lautsprecher eingespielt wird, unterstreicht die Einsamkeit des Mächtigen. Mehr solche Momente hätten die Inszenierung vielleicht nicht gerettet, sie aber zumindest etwas weniger öde gemacht. So kann man dem co-produzierenden Royal Opera House Covent Garden nur viele Späße mit diesem Kuckucksei wünschen; David Alden was here again, please don’t ask why.

Gehabt Euch also wohl und hört was Schönes,

Euer Fabius